Aomo diz o velho ditado “a natureza é vermelha em dentes e garras”, mas o cinema ambiental deste ano foca em uma violência mais sangrenta que está longe de ser inevitável. A comédia pastelão em preto e branco Centenas de castoreso assassino sangrento Em uma natureza violenta e filme criptídeo Pôr do sol Sasquatch todos escolheram limitar ou abster-se completamente do diálogo para oferecer estranhas odes ao meio ambiente que destacassem o impacto duradouro da humanidade no mundo natural.
Optando pela fisicalidade em vez do diálogo, esses três filmes seguem os passos de documentários de natureza não verbal, como Gunda de Victor Kossakovsky e Heart of An Oak, de Laurent Charbonnier e Michel Seydoux. Esses documentários oferecem muito mais do que simples representações meditativas da vida selvagem e, embora à primeira vista pareçam sem enredo, na verdade são cheios de ação. A lente nada romântica de Gunda captura a realidade muitas vezes sombria da vida dos animais de fazenda — a mão invisível e onipresente da agricultura infringe aqueles que vivem em cativeiro — enquanto Heart of An Oak documenta a atmosfera próspera dos habitantes do carvalho e da área ao redor ocupada por suas raízes estendidas. Transmitir a natureza não precisa de narração aqui, pois oferece entretenimento totalmente imprevisível por conta própria. Uma queda de agulha de Dean Martin pode ser clichê em qualquer outro cenário, mas assistir moscas copulando ao som de Sway é uma nota de rodapé hilária em um filme de ecoconsciência estimulante.
Enquanto In a Violent Nature e Sasquatch Sunset são semelhantes no ritmo e na perspectiva muitas vezes brutalista de Gunda, a energia fervorosa e a sagacidade rápida de Hundreds of Beavers compartilham mais com Heart of An Oak. Embora neste último cada animal e inseto se revezem como predador e presa (dependendo do tamanho relativo), o diretor Mike Cheslik retorna à dinâmica violenta entre humanos e animais. O sucesso indie Hundreds of Beavers segue um vendedor de sidra fracassado, Jean Kayak (Ryland Brickson Cole Tews), que muda para uma carreira como peleteiro em uma tentativa de sobrevivência. Uma vez que Jean se junta a um colega caçador (Wes Tank), a dupla mantém a eficiência implacável da linha de produção – com acenos contínuos ao longo do filme para Modern Times de Charlie Chaplin – com uma lista completa de armadilhas para criaturas da floresta e uma taxa de sucesso que Wile E Coyote só poderia sonhar. A comédia ultrajante de Cheslik demonstra a fome insaciável do colono por recursos naturais.
Jean, o peleteiro amador, personifica o impacto industrial no mundo; ele sente apenas desprezo pelos castores, não conhece limites e não tem remorso por suas ações infinitamente destrutivas. O diálogo não é necessário para um filme cheio de cenas de ação rápidas e um suprimento infinito de armadilhas DIY. Jean tenta teimosamente fazer o ambiente se dobrar à sua vontade, com efeitos cada vez mais prejudiciais. Uma armadilha malsucedida até causa um túnel de vento que o suga. Na natureza sisífica do capitalismo, as balizas de Jean são rotineiramente movidas para fora do alcance, mas com sua perspectiva limitada ele não consegue parar de devastar a terra para seu próprio ganho.
Em vez de depender de CGI que deu a muitos remakes live-action da Disney aquela qualidade de morto-por-trás-dos-olhos, os diretores de Sasquatch Sunset, Nathan e David Zellner, optaram pelo realismo. É graças ao artista protético Steve Newburn que o criptídeo ganha vida, não mais a filmagem borrada do pé-grande que os crentes sustentam como evidência. O mito se torna tangível na natureza selvagem do norte da Califórnia. Para continuar essa harmonia com o mundo natural, os sasquatches — interpretados por Jesse Eisenberg, Riley Keough, Christophe Zajac-Denek e Nathan Zellner — trocam apenas grunhidos e berros. Quando sinais de humanidade aparecem na tela, seja um acampamento ou a descoberta de uma estrada, as feras os tratam com curiosidade, mas sua ingenuidade nos enerva, pois a presença invasora da humanidade serve como presságio para sua morte.
Ninguém conhece melhor a crueldade da humanidade do que Johnny (Ry Barrett) de In a Violent Nature, o vingativo cadáver ressuscitado cuja morte brutal foi encoberta pela empresa madeireira local. O assassino rouba do museu madeireiro, vestindo-se da cabeça aos pés com o uniforme de trabalho, escondendo a carne em decomposição que é um testamento visceral da história violenta da indústria madeireira sob as vestes de seu inimigo. Destes três filmes, In a Violent Nature de Chris Nash é o mais cheio de diálogos do grupo, mas como o slasher foca na perspectiva frequentemente inexplorada do assassino, o diálogo das vítimas serve apenas como ruído de fundo.
Entre as cenas de morte sangrentas, Johnny persegue as florestas do norte de Ontário, oferecendo uma reflexão surpreendentemente meditativa sobre o mundo natural. Mas o que deveria ser uma floresta cheia de vida é frequentemente tão silenciosa quanto seu predador, tornando o assassino um lembrete doloroso de nossa mão prejudicial. Seu silêncio é ensurdecedor enquanto ele se demora sobre os restos em decomposição de um coiote preso nas mandíbulas de uma armadilha, ou passa a mão sobre os farrapos de fita rosa amarrados nas árvores. Junto com os próprios motivos vingativos de Johnny, esse ser sobrenatural homicida leva o princípio de “não deixar rastros” dos amadores de atividades ao ar livre mortalmente a sério.
Seja Jean desesperadamente coletando peles para ganhar a mão de uma donzela, os sasquatches rotineiramente chamando na floresta na esperança de encontrar mais de sua espécie, ou a busca de Johnny para recuperar uma herança roubada que pertencia à sua família morta há muito tempo, cada protagonista mudo projeta uma sombra solitária. Eles permanecem como testamento do crescente isolamento do mundo moderno, e a ironia da violência cíclica para encontrar conexão não se perde na barbárie pastelão de Hundreds of Beavers, Sasquatch Sunset e In a Violent Nature. Ao retornar às raízes silenciosas do cinema, esses filmes não verbais preenchem a lacuna entre o animal e o humano. A omissão da linguagem aumenta as profundezas emocionais do mundo natural, aproximando o público daqueles que não podem falar por si mesmos.
